Картины в японском стиле своими руками: живопись и объем - 72-master.ru
Рейтинг статьи
1 звезда2 звезды3 звезды4 звезды5 звезд (пока оценок нет)
Загрузка...

Картины в японском стиле своими руками: живопись и объем

Картины в японском стиле. Как нарисовать картину в японском стиле?

Японская живопись – одно из древнейших направлений в искусстве. Живопись в Японии появилась в самый древний период истории страны. На гончарных изделиях и прочих предметах быта можно встретить самые простые изображения геометрических фигур и различных узоров. Однако, с приходом в страну китайской культуры, произведения японских художников все более и более стали содержать элементы живописи страны Конфуция.

Одним из самых впечатляющих и колоритных направлений японской живописи является пейзаж. Японские художники не придавали особенного значения реалистичности композиции. Главным для них являлась передача впечатлений от созерцаемого ими величия природы.

Как нарисовать картину в японском стиле?

Японский пейзаж можно изображать обыкновенными акварельными красками. Для закрашивания необходимо использовать больше воды, а для прорисовывания отдельных деталей добавлять больше краски.

Для того, чтобы приступить к работе, вам понадобится картон или акварельная бумага, простой карандаш, ластик, пастельные мелки и, конечно же, акварель.

  • Начните с карандашного наброска. Для этого изобразите контуры будущей картины на листе с помощью простого карандаша. Следите за тем, чтобы лини были очень мягкими и едва заметными. Нажимать на карандаш нужно совсем слегка. Ведь, по японской традиции, рисунок должен быть очень легкий и практически невесомый. Ни в коем случае не прорисовывайте карандашом деталей – это забота тонкой кисти.
  • Изобразите на заднем плане далекие горы, пагоды, водоемы, соорудите несколько традиционных японских мостиков.
  • При очерчивании силуэтов людей не забудьте учесть особенности их одежды и осанки.
  • Для картин в японском духе уже стало привычным наличие на них главного символа этой страны – цветущей сакуры. Вы тоже можете на своем произведении изобразить эту удивительную по красоте вишню с облетающими на ветру лепестками.

  • После нанесения карандашного наброска займитесь раскрашиванием картины. Помните, что цвета должны быть невесомыми, воздушными. Для этого необходимо подобрать правильное соотношение воды и краски. Необходимо учитывать способность картона к поглощению воды, а акварели к появлению потеков.
  • Для окрашивания фона (например, неба и воды) используйте толстые кисти. Начните этот процесс с крупных деталей, находящихся вверху картины, постепенно спускайтесь вниз, пока не раскрасите всю воду, зелень и детали неба на картине. Затем оставьте рисунок до полного высыхания.

  • Теперь можно переходить к деталям. Возьмите тонкую кисть и начните прорисовывать кроны и стволы деревьев, крыши домов, снежные вершины гор. Не старайтесь прорисовывать каждую деталь вплоть до листков и лепестков. Ваша задача – с помощью нескольких мазков кисти задать направление бутонов и веток. Чтобы получить необходимые оттенки, акварель смешивайте на палитре. Стоит избегать слишком явных, ярких оттенков.
  • В одном из уголков картины расположите японские иероглифы. В интернете вы сможете найти множество подходящих для вас и вашего настроения японских стихотворений (хокку). Эти символы рисовать не так просто, как кажется на первый взгляд, поэтому в их изображении лучше потренироваться. Для придания письменам легкого налета давности и некоторой запыленности используйте черную краску, смешанную с синей или коричневой.

  • Используя пастельные мелки, создайте тени. Они должны располагаться на склонах гор и поверхности воды. Главное – не переусердствовать. Их не должно быть слишком много.

Простая картина в японском стиле

Если у вас не очень много времени, да и желания рисовать обширные пейзажи не т никакого, а вот украсить интерьер японской «штучкой» хотелось бы, то можете воспользоваться следующей методикой. Нарисуйте густой черной краской ветку дерева. Затем в одноразовую тарелку налейте немного нежно-розовой краски. В краску окуните дно пластиковой бутылки и сделайте отпечатки на бумаге. Дождитесь, пока рисунок высохнет. Таким образом, вы получите замечательную ветку сакуры, не прилагая собственных усилий.

На сегодня японская тематика в интерьере очень актуальна. Это и картины, и декор стен, и мебель в японском стиле, и светильники в японском стиле.

Читайте также:

Японская тематика вносит гармонию и спокойствие в наш бешеный ритм жизни. Следуя законам жанра искусства страны Восходящего солнца, вы сможете почувствовать влияние этой тематики на свою жизнь и душу.

Читайте другие интересные рубрики

Интерьерные картины в японском стиле — делаем сами (+супер фото!)

Картины в японском стиле своими руками добавят индивидуальности и философского настроения в интерьер . Японская живопись уникальна и самобытна. Одним из самых выразительных направлений является пейзаж.

Его характерные особенности:

  • Легкая сюрреалистичность композиции. Не добивайтесь фотографического сходства, главное – передать настроение и чувства, возникающие при вдумчивом созерцании.
  • Отсутствие ярких красок – только легкие, пастельные, почти прозрачные полутона.
  • Четкие, но в то же время плавные контуры фигур.

Своими руками вы можете создать, конечно, не шедевр, но оригинальное и самобытное произведение в японском стиле, идеально подходящее для украшения интерьера.

Самый простой вариант

Для тех, кто располагает минимумом времени, и не может похвастаться способностями к рисованию, есть следующий вариант картины своими руками.

На листе плотного картона густой черной гуашью или тушью изобразите ветку дерева. Затем в нескольких блюдцах или одноразовых пластиковых тарелках в разных пропорциях смешайте красную и белую краску, чтобы получить различные оттенки розового. Цвета не должны быть излишне яркими. Поочередно в каждое блюдце окунайте спонж или кусочек губки и наносите отпечатки на картон, изображая цветы сакуры. Перед нанесением следующего слоя дождитесь, пока полностью высохнет предыдущий.

Традиционный пейзаж

Если вы хотите традиционный японский пейзаж, приобретите акварельные краски и специальную бумагу для рисования ими. Бумагу можно заменить картоном. Еще понадобится остро заточенный карандаш, пастель, палитра и кисти.

Не забудьте, что прежде чем начать рисовать, бумагу для акварели пропитывают водой.

Учтите, что картон хорошо впитывает воду, значит, краску нужно разводить водой сильнее, чтобы получить необходимый прозрачный тон. На бумаге, наоборот, появятся потеки. Поэтому сначала поэкспериментируйте, чтобы найти нужную пропорцию.

  • Те, кто умеет рисовать, изображают на листе набросок своими руками. Если вы лишены способностей, берите готовый пейзаж, копируйте на кальку и переносите на бумагу. Сильно нажимать на карандаш нельзя. Линии должны быть чуть заметными и плавными. Обозначьте только основные контуры. Все остальное нужно дорабатывать кистью.
  • Приступайте к нанесению краски. Начните с фона (небо, вода) и самых крупных деталей (горы, зелень). Используйте толстую кисть. Помните, что цвета используются легкие, полупрозрачные. От верхнего края листа двигайтесь к нижнему. Оставьте рисунок до полного высыхания.
  • Затем самой тонкой кистью начинайте прорисовывать мелкие детали – стволы и ветви деревьев, дома на горном склоне, птиц в небе, вершины гор в снегу, бабочек на цветках. Линии должны быть четкими и плавными. Не старайтесь быть фотографически точными. Главное – передать впечатление. Легкое ощущение незавершенности и размытости идеально подходит для картины в японском стиле.
  • Пастельными мелками изобразите тени на склонах гор и на земле, блики на воде. Но совсем немного.
  • Последний штрих – стихотворение, отвечающее теме и настроению пейзажа. Их вы найдете на тематических интернет-сайтах. Предварительно потренируйтесь в написании иероглифов, чтобы добиться требуемой легкости и изящества росчерков. Чтобы создать впечатление старины, смешайте черную гуашь или тушь с коричневой или темно-синей.

Полотно на шелке

Главное здесь – интуиция и чувство меры. Эффектно смотрится картина из черных линий на алом или желтом фоне, созданная своими руками. Если ткань пастельного цвета, те, кто знаком с техникой батик, могут на мокром полотне изобразить пейзаж или просто абстрактный цветной фон. Приступайте к работе только тогда, когда ткань полностью просохнет.

  • Подберите соответствующий рисунок и с помощью кальки или копировальной бумаги перенесите его на кусок шелка (лучше натурального). Чем больше линий, тем интереснее получится произведение.
  • Зафиксируйте ткань в натянутом положении, чтобы она не сминалась. Можно просто прижать края чем-то тяжелым, но лучше растянуть ее на специальных больших пяльцах для вышивки.
  • Далее из нитей мулине нужных цветов начинайте скручивать шнуры разной толщины. Для основных элементов (ствол дерева, склон горы, журавль) – 2-4 мм, для мелких деталей – 1 мм или меньше. Все зависит от формата полотна и масштаба изображения. Как сделать шнурок? Возьмите несколько нитей за концы и крутите в противоположные стороны. Затем сложите пополам.
  • Тончайшим слоем, иглой или зубочисткой понемногу наносите клей ПВА на контуры. И тут же, пока он не успел высохнуть, приклеивайте шнур, придавая наброску объем, а всему изображению – рельефность. Законченная картина похожа на гравюру наоборот.
  • Особенно тщательно прорабатывайте концы и пересечения линий. Аккуратно подрезайте шнур и прячьте все торчащие нитки на стыках. Два конца друг на друга накладывать не стоит – перепады толщины плохо смотрятся.
  • Подождите, пока высохнет клей, и вставьте полотно в рамку. Если оно длинное и узкое, вденьте по верхнему краю кулиску, нижний утяжелите и вешайте так.
Читайте также:  Как построить курятник на лето с выгулом

Лоскутная живопись в технике кинусайга

Японцы – люди очень практичные. Именно поэтому старые, не пригодные для дальнейшей носки кимоно они разрезают на мелкие кусочки и создают замечательные лоскутные картины.

Чтобы своими руками создать шедевр, вам понадобится следующее:

  • Лист плотного картона;
  • Тонкий лист пенопласта (подойдет квадрат потолочной плитки);
  • Лоскутки ткани одинаковой толщины;
  • Синтепон или вата;
  • Клей-карандаш;
  • Зубочистка или тонкая спица;
  • Принадлежности для шитья – нитки, игла, портновские булавки, ножницы;
  • Краски (лучше всего акриловые).

  • Проще всего приобрести готовый шаблон в магазине рукоделия. Там уже намечено, как именно разрезать его. В комплект входит два одинаковых рисунка. Иначе вам придется создавать его своими руками.
  • Перенесите рисунок на кальку и разрежьте на фрагменты. Чтобы не запутаться, каждый кусочек пронумеруйте.
  • Вырежьте детали из ткани подходящего цвета. Со всех сторон добавьте минимум 2 мм для припуска.
  • Пенопласт наклейте на картон. На него приклейте второй экземпляр шаблона и острым ножом прорежьте линии контуров. Желобки должны быть примерно той же глубины, что и припуск на ткани.
  • Края желобков промажьте клеем. Зубочисткой или иглой аккуратно заправляйте каждый лоскуток на свое место. Оставляйте небольшое отверстие, чтобы набить его ватой или синтепоном.
  • Прорисуйте краской мелкие детали. Также для отделки можно использовать тонкие шнуры. Японская картина готова.

Объемные произведения в технике осиэ

Картины в технике осиэ – это объемные аппликации из бумаги. Этот вид декоративно-прикладного искусства напоминает предыдущий вариант, но техника требует большей усидчивости, аккуратности и кропотливости. В Японии эти картины своими руками делают даже маленькие дети.

  • Лист плотного картона и лист ватмана;
  • Японская бумага-васи;
  • Тонкий поролон или ватин;
  • Клей;
  • Ножницы.

Вам нужна именно бумага-васи, так как по текстуре она напоминает ткань. Обычная цветная бумага не имеет необходимой эластичности, легко мнется и рвется по сгибам.

  • Лист картона аккуратно промажьте клеем и приложите к нему мягкую подкладку. Подождите, пока клей высохнет.
  • Сделайте на ватмане две копии выбранного рисунка – одну в нормальном виде, другую в зеркальном отражении. В магазинах для рукоделия продаются соответствующие шаблоны. Или делайте все своими руками.
  • Зеркальную копию приклейте на картон и разрежьте рисунок на части по линиям. Пронумеруйте каждую деталь.
  • Снова вырежьте те же самые кусочки, но уже из цветной бумаги-васи. Не забудьте о припусках – 05,-1 см.
  • Приложите деталь из бумаги к мягкой подкладке, загните припуски и приклейте их к картону с обратной стороны. В углах и на длинных округлых линиях, чтобы было легче клеить, можно сделать несколько перпендикулярных надрезов.
  • Все кусочки по порядку приклеивайте на первую копию рисунка.

Видеогалерея

Волшебные японские картины своими руками

Даже неискушённый в искусстве человек, но обладающий врождённым чувством прекрасного, может часами любоваться волшебной графикой японских мастеров. Почему именно японских?

Просто манера изображения окружающего мира, людей и фантастических персонажей в стране Восходящего Солнца уникальна и неповторима. Тому причиной было множество разных факторов — и географических, и исторических. Но не будем углубляться в эти аспекты, ведь нам интересно сейчас лишь загадочное волшебство японского рисунка.

Изящные обводы контуров фигур и расплывчатые, перетекающие из одного оттенка туши в другой, очертания могут изумительно сочетаться на одном рисунке. В гравюрах на дереве и в картинах-ширмах, в настенных росписях и шёлковых свитках соединением чётких линий и мягких полутонов удивительно содержательно передаются и бытовые сценки, и буйство стихии, и величественность эпических образов.

Существует мнение, с которым просто невозможно не согласиться, что иностранец, каким бы великим художником он ни был, никогда не сможет создать истинно японскую картину. Для этого надо родиться японцем, вдыхая с воздухом вековые традиции, подчинить себя этой философии. Уметь, как в хокку, тремя строчками выразить всю суть и прелесть происходящего. «Бьёт дождь, взошла луна, и вся природа приглашена на праздник» – как лучше, лаконичнее и более ёмко выразить наступление лунной ночи?! Так и в японском рисунке.

Но абсолютно каждому по силам создать, пусть не шедевр кисти Хокусай, но очень красивую и оригинальную имитацию японского панно, способного стать великолепным украшением интерьера. Примечательно, что подобной техникой может пользоваться даже человек, начисто лишённый способностей к рисованию. Главное, чтобы у него присутствовало чувство меры.

Что нам понадобится? Это зависит от того, что мы хотим сделать. Если задумано панно на шёлковом полотне, то потребуется кусок шёлка, желательно натурального, клей ПВА, нитки ирис или мулине, паспарту для оформления законченной композиции и, конечно, необходимо подыскать рисунок, который мы хотим воспроизвести.

К рисунку предъявляются определённые требования. Он должен быть линейным, то есть состоять из чётко обозначенных контурных линий. Есть маленький нюанс – чем на рисунке больше изогнутых линий, контуров и штрихов, как в гравюре, тем интереснее и эффектнее будет панно.

Великолепно будет смотреться картина с изображение птиц, причудливо изогнутых деревьев, самураев в боевом облачении…

Подобрав соответствующий рисунок, с помощью копировальной бумаги перенесём его на ткань. Теперь шёлковое полотно нужно растянуть, что бы при последующих действиях оно не стягивалось и оставалось ровным. Можно плотно прижать края тяжёлым прессом, а можно и закрепить в большое пяльце, применяемое для вышивки.

Второй этап – подготовить шнур для создания рельефного контура панно. Толщина шнура зависит от размеров картины и её насыщенности деталями. Например, если на формат А3 переносится рисунок дерева, весь испещрённый штриховкой и контурными линиями, то оптимальная толщина шнура будет 2-3 миллиметра.

Но нужно учесть, что размер мелких элементов не должен быть меньше его толщины. Можно использовать в одной работе шнуры разной толщины, лучше всего смотрится картина с одинаковыми линиями. Шнурок просто скручивается из ниток. Процесс, без сомнения, каждому знаком с детства.

Закрепив ткань с переведённым рисунком, приступаем к самому интересному, творческому и основному этапу создания картины.

Очень аккуратно тонкой спицей наносим клей ПВА на линии оттиска. Проведя клеевую полоску на расстояние двадцати-тридцати сантиметров, бережно приклеиваем шнур, повторяя контуры и придавая им объём. Так, сантиметр за сантиметром будет прорисовываться рельефное изображение.

Особое внимание следует уделить местам пересечений линий. Подрезание и состыковка частей шнура должна выполняться очень аккуратно и тщательно, чтобы не появилось, портящих вид перепадов толщины. Линии законченного рисунка должны выглядеть ровными, как будто проведённые карандашом или маркером.

Читайте также:  Как положить тротуарную плитку

По цвету идеально смотрится изображение из чёрного контура на жёлтом либо красном фоне. Но можно до начала работы на растянутое мокрое шёлковое полотнище нанести акварельной краской какой-нибудь фон в виде пейзажа или просто разноцветных полос. Дать ткани высохнуть. Получится прекрасный задний план, слегка размытый, нечёткий, не отвлекающий от основной композиции.

Останется только завершить работу, оправив панно в рамку или картонное паспарту. А можно, если панно имеет вид вертикального свитка, обработать края и, утяжелив верх и низ, поместить его на стену, как это принято в Японии.

Японская живопись Суми-э для каждого

Суми-э — древняя японская техника рисования тушью и минеральными красками на рисовой бумаге. Это живопись, самовыражение и философия одновременно, а значит прекрасно подходит для тех людей, которые интересуются не только и не столько рисованием, сколько саморазвитием и арт-терапией.

Исторически суми-э зародилось в Китае, и только в XIV веке было принесено в Японию буддийскими монахами. Название «суми-э» создано из сочетания двух японских слов: «суми» (тушь) и «э» (живопись). Это древнее традиционное искусство близко к современной акварельной живописи. Отличие суми-э в том, что для рисования художники, как правило, используют только черный цвет, создавая широкую гамму серых оттенков туши, растворяя её в воде в разных пропорциях. Так было принято изначально, однако, со временем японские художники стали писать цветными минеральными красками, которые, проникая в рисовую бумагу, закрепляются на ней подобно туши.

Для рисования необходимы чёрная тушь и кисти для каллиграфии, рисовая бумага и немного воды. В суми-э не делают карандашных набросков, рисунок рождается спонтанно, когда рукой мастера руководят его чувства, ощущения и дух. Композиция и фигуры складываются из отдельных мазков. В задачу художника не входит фотографически точное воспроизведение действительности. В отличие от Западной манеры живописи для суми-э более важны техника рисования мазков и умение создать гармоничную композицию, отбросив все второстепенное и представив только суть вещей. Говорят, что в традиционных японских школах суми-э учащиеся первый год рисуют только отдельные мазки, и лишь после этого их допускают к созданию рисунков.

Прекрасные и изящные рисунки кажутся лишь делом техники, однако при их создании гораздо более важен философский смысл или так называемый «дух суми-э». В буддизме изобразительное искусство использовалось в качестве духовной практики. Не только процесс рисования, но и картины в технике суми-э подходят для медитации. Нанесенные на белую бумагу простые черные линии отвечают духу дзен, когда несколько произнесенных слов могут быть результатом многих лет душевных поисков.

Художник не стремится заполнить весь лист бумаги. Само изображение отличается лёгкостью и изяществом. Рисунок будто дышит и живёт своей жизнью. Мастер суми-э нарочно не прорисовывает картину полностью, оставляя кое-что за кадром. Это подарок зрителю, воображение которого откликается на лёгкие штрихи и начинает самостоятельно «дорисовывать» картину. В Японии говорят, что уметь рисовать — это искусство, но не меньшее искусство — уметь любоваться готовым рисунком.

Я сама более двух лет обучалась суми-э и готова подтвердить ценность этого вида искусства для психологической работы. Вот лишь немногое из того, что я подметила:

  • Поначалу участники группы стремятся использовать исключительно чёрную тушь, но со временем арт-терапия способствует тому, что монохромных изображений почти не остаётся. Уже к концу второго года обучения все рисунки участников, как на подбор, были цветные. Новоявленные художники жаждали выразить себя с помощью ярких красок. Творчество сняло депрессивное настроение и дало дорогу разноцветным чувствам, ощущениям, проявлениям.
  • Занятия японской живописью прекрасно прорабатывается страх совершить ошибку. Работая в стиле суми-э, приходится забыть о предварительных набросках. Если тушь ляжет на лист не так, как вам хотелось бы, то ничего уже изменить не получится, пигмент мгновенно проникает в бумагу и закрепляется намертво. Зато после нескольких месяцев тренировок, страх совершить ошибку отступает, как и стремление всё контролировать. Конечно, такие изменения касаются не того, как человек рисует, но и как ведёт себя изо дня в день. Появляется новое отношение к жизни, большая лёгкость и смелость в проявлениях. Так что рекомендую суми-э тем, кто работает с проблемой внутреннего сверх-контроля.
  • Рисование помогает заметить, что каждый художник имеет свой стиль, свою манеру рисования, у каждого появляются излюбленные образы, композиции и материалы. Работу одного мастера никогда не спутаешь с работой другого. На бумаге со всей ясностью проступает индивидуальность человека, тот неуловимый аромат души, который так тяжело описать словами. Занятия суми-э способствуют осознанию и принятию различий между людьми, а также ощущение нашего внутреннего сходства. Это чрезвычайно важный опыт в процессе самопознания и саморазвития.
  • Творчество самоценно. К этой мысли приходишь, когда после двух часов рисования, поднимаешься из-за стола, ощущая внутреннее спокойствие и гармонию. В этом проявляется целительное влияние медитации и творчества на человеческую душу.
  • Просыпается наблюдательность и ощущение соединенности внутреннего и внешнего миров. Если вы решили рисовать, то в поисках вдохновения, начнёте обращать внимание на всё, что окружает вас, на сезонную смену природы, малейшие проявления красоты там, где раньше вы бы прошли мимо, ничего не заметив.
  • Развивается спонтанность. Тушь растекается так, что никогда не знаешь, что получится в итоге. Особенно это характерно для новичков. Однако со временем начинаешь привыкать, что изначальная задумка в реальности воплощается иначе, и при этом не факт, что хуже. Возможно даже лучше, чем предполагалось. Весьма ценная мысль для жизни, не так ли?

В заключении хочу отметить, что в настоящее время суми-э становится всё более популярным видом искусства в России. В мегаполисах вы без труда сможете найти одну или даже несколько студий, занимающихся этим прекрасным видом творчества, а материалы для рисования можно заказывать в интернет-магазинах.

Японская живопись

Японская живопись одно из древнейших и изысканных японских изобразительных искусств.

Она берет свое начало в китайском искусстве, поэтому их жанры очень схожи. И даже в наши дни многие японские художники предпочитают обучаться именно в Поднебесной.

Японская живопись охватывает широкий спектр жанров и стилей. Для нее, как и для литературы характерно изображение природы, сцен из повседневной и религиозной жизни, живопись животных и растений, особенно птиц и цветов. Во всех этих жанрах сложились характерные японские традиции.

В своей истории развития живопись в Японии имеет несколько этапов, каждый из которых отличается характерными чертами.

Древняя Япония и периоды Кофуни и Асука (IV век —710)

Наряду с введением китайской письменности (Канджи), китайской режимов государственного управления, и буддизма, многие произведения искусства были привезены в Японию из Китая.После этого в Японии начали появляться произведения живописи в китайском стиле.

Период Нара (710–794).

Период назван по местонахождению первой постоянной столицы Японии в Нара. С дальнейшим процветанием буддизма в Японии развивалась и религиозная живопись. Самые ранние сохранившиеся картины этого периода включают фрески на стенах внутри храма Хорю-дзи.

Эти сцены включат в себя эпизоды из жизни Будды. Стиль изображения напоминает китайскую живопись.

Тем не менее период Нара известен больше бурным развитием скульптуры, чем живописи.

Период Хэйан (794–1185).

Название периода происходит от местонахождения новой столицы — Хэйан(кё) (совр. Киото). С развитием эзотерических буддийских сект, живопись 8-го и 9-го веков характеризуется религиозными образами, в первую очередь Ма́ндала (Ма́ндала – это духовный и ритуальный символ в буддизме, представляющий вселенную).

Начиная с X века в японской живописи выделяют направление ямато-э (大 和 絵, «живопись в японском стиле»). Это считается классический японский стиль, картины представляют собой горизонтальные свитки, которыми иллюстрировали литературные произведения.

Читайте также:  Карниз для балдахина настенного, потолочного и классического типа

Характерные черты ямато-э включают в себя множество маленьких фигур и подробное описание деталей зданий и других объектов.

Период середины Хэйан считается золотым веком Ямато-э, который первоначально использовался в основном для раздвижных дверей (фусума) и складных экранов (бōбу).

Появляются новые форматы живописи, в том числе Эмакимоно. Эмакимоно (絵 巻 物, буквально «свиток с картинками»), часто называемый просто эмаки(絵 巻), представляет собой горизонтальную, иллюстрированную повествовательную форму. Emakimono сочетает в себе как текст, так и рисунки, на которых изображали битвы, романтику, религию, народные сказки и истории о сверхъестественном мире.

Период Камакура (1185–1333)

В этот период продолжают развиваться эмаки различных видов, однако период Камакура был гораздо сильнее охарактеризован искусством скульптуры, чем живописи.

Период Муромати (1333–1568)

В течение 14-го века развитие великих дзенских монастырей в Камакуре и Киото оказало большое влияние на изобразительное искусство. Суми-э (墨 絵) или Суйбокуга (水墨画), строгий монохромный стиль чернильной живописи, зародившийся в Кита, в значительной степени заменил полихромные картины свитков предыдущего периода, хотя сохранилась некоторая полихромная портретная живопись.Типичным примером такой живописи является изображение монаха-художника Као, который был известен своим изображением легендарного монаха Кенсу, в тот момент, когда он достиг просветления.Этот стиль живописи был выполнен с быстрыми мазками кисти и минимумом деталей.

Картиной «Поймать сома с тыквой», художник-монах Хосетсу, знаменует поворотный момент в живописи Муромати.На переднем плане изображен мужчина на берегу ручья, он держит маленькую тыкву и смотрит на большого скользкого сома.Центр картины заполняет туман, а фон, горы, кажутся, далеко на расстоянии.Обычно считается, что «новый стиль» картины, выполненной около 1413 года, относится к китайскому ощущению глубины пространства в плоскости картины.

К концу 14-го века монохромная пейзажная живопись стала предпочтительным жанром среди художников дзен, постепенно переходя от китайских корней к более японскому стилю. Дальнейшим развитием пейзажной живописи стал свиток с изображением поэмы, известный как шигаджику.

Главными художниками периода Муромати являются художники-монахи Шубуни Сесшу. Шубун, монах храма Сёкоку-дзив Киото, написал картину «Чтение в бамбуковой роще». Сесшу, в отличие от большинства художников того времени, смог отправиться в Китай и изучать китайскую живопись у ее истоков.«Пейзаж четырех сезонов» – одно из самых совершенных произведений Сэссу, изображающее непрерывный пейзаж четырех сезонов.

В конце периода Муромати живопись тушью вышла за стены монастырей Дзэн в мир искусства.

Адзути-Момояма (1568–1600)

Следующий этап Японской живописи Адзути-Момояма, резко контрастировал с предыдущим Муромати. Этому этапу характерен полихромный стиль с широким использованием золотой и серебряной фольги и работами в очень большом масштабе. В то время школа Кано пользовалась большим престижем и известностью.

Её основатель Эйтоку Кано разработал технику для создания монументальных пейзажей на раздвижных дверях, ограждающих помещение.Такие огромные экраны и настенные росписи заказывались для украшения замков и дворцов военной знати.

Период Эдо (1600–1868)

Эдо раннее название города Токио, в этом городе основался сёгунат Токугавы. В течении раннего периода Эдо начали возникать новые тенденции в искусстве. Одной из самых значимых школ была школа Ринпа, которая использовала классические сюжеты, но представляла их в новом, смелом, декоративном формате.

Другим важным жанром, который начался в период Адзути-Момояма, но который достиг своего полного развития в ранний период Эдо, было искусство намбан («южных варваров»). Японцы обычно называли словом намбан всех иноземцев, которых они считали варварами.

Жанр намбан охватывает как произведения, изображавшие «экзотических» иностранцев, так и произведения, созданные ими самими и привезенные в Японию.

Третьей важной тенденцией периода Эдо был подъем жанра Бунджинга (литературная живопись), также известного как школа Нанга(школа южной живописи).Этот жанр расцвел в поздний период Эдосреди художников, считавших себя литераторами и интеллектуалами.Хотя каждый из этих художников был по-своему уникален и независим, все они восхищались традиционной китайской культурой.Их картины, как правило, выполнены однотонными черными чернилами, иногда со светлыми тонами, почти всегда изображающие китайские пейзажи, были созданы по образцу китайской литературной живописи.

Позднее, мастера, работающие в стиле бунджинга, видоизменили технику и сюжеты этого жанра, создав смесь японского и китайского стилей.

Период Мэйдзи (1868–1912)

Период Мэйдзи (записывается двумя иероглифами – «свет» и «правление») – необыкновенный исторический период радикальных перемен и смелых реформ. В этот период за очень короткий промежуток времени закрытая феодальная Япония вышла из самоизоляции и стала крупной мировой державой. Страна Восходящего солнца превратилась в просвещенное государство.

Это не могло не сказаться на искусстве, ведь Япония переняла многие достижения и опыт Запада. Искусство разделилось на традиционные местные и европейские стили.

Правительство официально продвигало западный стиль Yōga (Ёга, 洋画, буквально “стиль западной живописи”). Этот термин был придуман в период Мэйдзи, чтобы отличать такие работы от традиционных японских картин.

Множество молодых перспективных художников были отправлены за рубеж на учебу. Были приглашены иностранные мастера, для создания учебных художественных программ в японских школах.

Однако после первоначального всплеска энтузиазма в отношении западного искусства, маятник качнулся в обратную сторону. Началось возрождение интереса к традиционному японскому стилю нихонга (日本画, “картины в японском стиле”). Вдохновителями этого движения стали искусствовед Окакура Какузои педагог Эрнест Феноллса. А в 1880-х годах искусство западного стиля было даже запрещено на официальных выставках и подвергалось жесткой критике.

Однако художники, работающие в стиле Ёга, образовали (Общество Изобразительных Искусств Мэйдзи), чтобы проводить свои собственные выставки и способствовать возобновлению интереса к западному искусству.

В 1907 году была основана Японская Академия искусств это способствовало взаимному признанию конкурирующих групп и даже начался процесс взаимного синтеза.

Период Тайсё (1912–1926)

Живопись получила новый толчок развития, испытав сильное влияния Западной культуры. Происходит смешение японских и западных стилей, при чем не только в живописи, но и во всех видах творчества.

На полотнах молодых художников все больше появляются картины, написанные в стиле импрессионизма, постимпрессионизма, кубизма и т.д.

Период Сёва (1926–1989)

В японской живописи в довоенный период Сёва в основном доминировали Сōтаро Ясуи и Рюзабуро Умехара, которые представили понятие чистого искусства и абстрактной живописи в традиции Нихонгаи таким образом создали более интерпретирующую версию этого жанра.Леонард Фужита и Общество Ника разработали эту тенденцию, чтобы охватить сюрреализм.Для продвижения этих тенденций в 1931 году была создана Независимая художественная ассоциация (Dokuritsu Bijutsu Kyokai).

Во время Второй мировой войны многие художники были приняты государственную работу, связанную с пропагандой патриотической тематики.

В послевоенный период в 1947 году была создана финансируемая правительством Японская художественная академия(Nihon Geijutsuin), в которую вошли подразделения нихонга и ёга. Государственное спонсорство художественных выставок прекратилось, но его заменили частные выставки

Послевоенное искусство ждал небывалый подъем. Художники, каллиграфы, печатники процветали особенно в больших городах.

Одними из самых известных художников были Окумура Тогю, прославившийся изображением горы Фудзи, а также Хигасияма Кайи, ставший известным благодаря тому, что создал и отреставрировал росписи на стенах многих японских дворцов и храмов.

Наиболее известным художником, работающем в западном стиле, является Хаяси Такэси. В его работах можно увидеть большое влияние таких прославленных мастеров как Сезанна, Пикассо, Модильяни.

В Японии также есть ряд современных художников, чьи работы в значительной степени вдохновлены субкультурой аниме и другими аспектами популярной и молодежной культуры.Такаши Мураками, пожалуй, один из самых известных и популярных из них. Мураками является основателем и президентом компании«Kaikai Kiki Co», где трудится более двухсот сотрудников. На сегодняшний день офисы компании находятся в Токио, в Нью-Йорке и Лос-Анджелесе. Компания Мураками — это высокоэффективный механизм, штампующий искусство, исполняющий заказы престижных домов и продюсирующий дюжину начинающих японских художников.

Ссылка на основную публикацию